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Tango - Cuarteto Colángelo - Trasnoche

21 de diciembre de 2009


Músico, pianista y compositor, nació el 22 de octubre de 1940. Nombre completo: José Leonardo Colángelo.
En 1955 actuó, debutando, con la orquesta dirigida por Alberto Dávila en un programa de Radio Argentina. Estuvo incorporado a formaciones juveniles e integro conjuntos en compañía de Mauricio Marcelli, Fernando Suárez Paz y Mauricio Svidosky. Con algunos de ellos se reencuentra en otra formación juvenil dirigida por Luis Salvadeo (Marcusito) (que era ahijado de Cátulo Castillo).
Ya en 1956 (en carnavales) integra el conjunto "Las nuevas estrellas del tango" y, además, acompaña al cantor Eduardo Solano en algunas reuniones bailables. En la misma época incursionó en milongas "bravas" como "El Dardo Rojo" en el barrio de Constitución, en el "Palacio Güemes", y otras de las mismas características, donde, como en los años '20, era casi un rito que todo terminara en tremendas bataholas.
En 1957 debuto en Radio Splendid con la orquesta de Ángel Genta, y en 1959 con la de Ángel Domínguez, con los cantores Osvaldo Ribó y Carlos Almagro también en radio Splendid. Asimismo realizó presentaciones el "Dragón Rojo" del barrio de Congreso y en el cabaret "El Avión de la Boca".
A fines de 1959 con el conjunto "Los Embajadores" actuó en Radio Belgrano. Los integrantes de ese conjunto eran, en su mayoría, de la orquesta de Horacio Salgán. También en ese año 1959 grabo un LP. con la orquesta de Juan de Dios Filiberto en la que se destacaba la cancionista Patrocinio Díaz.
Entre los años 1960 y 1962 integró las orquesta de Ángel Domínguez, Lorenzo Barbero, Emilio Orlando y también en radio El Mundo con Enrique Alessio, cantado José Berón (hermano de Raúl, Adolfo, Rosita y Elba).
Pero si bien su paso por esas agrupaciones le permitió ir depurando su técnica y estilo, la gran oportunidad de destacarse como un excelente ejecutante se la brindan Julio Sosa y Leopoldo Federico al incorporarlo como pianista -en 1962-, y completar con ellos un ciclo inolvidable hasta noviembre de 1964 en que se produce la trágica muerte de Julio Sosa.
Una vez repuesto del dolor, Leopoldo Federico reanuda sus actuaciones (con Colángelo en el piano) y los cantores Roberto Ayala y Carlos Gari. Colángelo actúa durante dos años con esa agrupación, aunque alternativamente acompaña a Ricardo Malerba en Radio Splendid y también forma un cuarteto ("Cuatro amigos para el tango") que se desempeña en radio El Mundo.
Es indudable, y el propio Colángelo así lo reconoce, que su paso por la orquesta de Federico fue definitorio para su afianzamiento como ejecutante que, seguramente también, fue influenciado por la gran calidad de sus compañeros: Antonio Príncipe, Osvaldo Montes, Juan José Mosalini, Román Arias, Mauricio Mise, Roberto Rota, Emilio González y Alberto del Mónaco. Casi todos ellos, principalmente Montes y Mosalini, embanderados en lo que se dio por llamar la vanguardia encabezada por Astor Piazzolla, y de la que Colángelo, si duda alguna, forma parte, al igual que Mederos, Binelli, Buono y otros.
Aun reconociendo -como lo hace el propio Colángelo-, la influencia de Orlando Goñi por ser quien mejor hizo el bordoneo de piano, y a Francisco de Caro por el cambio que significó, para su época, por la diferente utilización del instrumento en los conjuntos; quien escribe estas líneas piensa que son Osmar Maderna y Horacio Salgán quienes más aportaron a la definitiva consolidación de su estilo que -en mi concepto-, sintetiza el gran vuelo de las fantasías del Maderna de "Lluvia de Estrellas", "Concierto en la Luna" y "Escalas en Azul" con el swing del Salgán de "A fuego lento".
La consagración definitiva llega con su incorporación (en remplazo de Osvaldo Berlingieri) a la orquesta de Aníbal Troilo de quien fue su último pianista. Con una anécdota Colángelo recuerda su debut con Pichuco el 8 de noviembre de 1968 en el local de Diagonal Norte y Florida ("Relieve"):
«Cuando llegué con mi smoking en la mano, el gordo se adelanto, me dio un abrazo y un beso, me pidió una moneda, y me regaló un pañuelo de hilo suizo hecho a mano. Al finalizar la actuación alguien del público se me acercó muy cordialmente para saludarme pero también para señalarme que le gustaba más mi antecesor, cosa que le informé al maestro y me contestó: "Pibe, yo a usted le tengo mucha confianza y no me puede defraudar". Con el tiempo comprendí que esa actitud de Troilo era coherente con su proverbial paternalismo que ejercía con gran sabiduría.»
Tres días después se hizo un recital en el Teatro San Martín y esa fue la prueba de fuego para Colángelo. Tocaron doce temas instrumentales y Troilo le dio la oportunidad de que libremente hiciera los solos. Había aprobado el examen más difícil de su carrera.
En su permanencia en la orquesta del gordo Pichuco también integro el famoso cuarteto que se completaba con Ubaldo De Lío y Rafael del Bagno, (luego Aníbal Arias reemplaza a De Lío).
Colángelo sentía por Troilo la misma admiración y respeto que todos los músicos y cantantes que pasaron por su orquesta, y reconoce en Pichuco al fundador de una escuela de características muy peculiares y personales. Una escuela diferente, que le dio al tango valores de inmensa magnitud que aun hoy continúan la línea troileana (Garello, Baffa, Berlingieri y tantos otros).
Cuando el canal 7 de televisión hizo un homenaje al maestro recién desaparecido, Colángelo expresó públicamente: «Creo que se apagó un sol muy grande, ojalá nos haya dejado algunos rayos esparcidos entre los que fuimos sus amigos, compañeros y admiradores».
En 1971 forma su inolvidable cuarteto para grabaciones, acompañado por Néstor Marconi, Omar Murtagh y Aníbal Arias, grabando un larga duración.
Colángelo también integró el conjunto "Los solistas del Tango", dirigido por Reinaldo Nichele con la participación y arreglos de Eduardo Rovira.
A partir de 1967 acompañó, con distintas formaciones, a varios cantores y cantoras: Roberto Goyeneche, Alberto Marino, Mario Bustos, Roberto Florio, Héctor Maure, Raúl Berón, Néstor Fabián, Alba Solís, Elba Berón, Carmen Duval, Nelly Vázquez, Susana Rinaldi y otros.
En el año 1971 actuó con el cuarteto de Troilo en el Hunter Hall de Nueva York, y también en Washinton. En 1972 en el Teatro Colón con la orquesta de Pichuco y en 1973 en la película "Esta es mi Argentina" en la cual la orquesta interpreta "Quejas de bandoneón", bajo la dirección de Leo Fleider. En 1975 retorna al Colón, en un homenaje a Carlos Gardel con la orquesta de Héctor María Artola.
Su primera orquesta, formada en 1979 estuvo integrada por: Lisandro Adrover y Antonio Príncipe en bandoneones; Hugo Baralis, Alberto del Bagno y Mario Arce en violines y Héctor Console en contrabajo (en algunas ocasiones se incorporó Enrique Lannoo en cello); siendo sus cantores Guillermo Galvé y Ana Paula.
De sus composiciones los principales temas fueron: "¿Te das cuenta?", "Plazeando", "Todos los sueños", "Duende y misterio", "Fortín cero" (con Ernesto Baffa), "Un piano en la noche" (con Víctor Braña) y "Mamembá" (con García Dávila). Todos ellos temas instrumentales.
Sus composiciones cantables fueron: "Puerta de barrio" y "Mi tormenta", con Eugenio Palazzo; "Las del humilde querer" con Edgardo Ayala; "Tenía razón", con Braña y Roberto Casinelli; "Caras del pasado" y "Pa' que me voy a apurar" con Victor Lamanna; "Cristo", "Matraquín", "Aníbal Fuelle" (poema-tango ), "Milonga que canta el pueblo", "Luna morena", "Juana Barullo", "Las rondas de Enero", "De minuto a minuto" y "Aunque tu me lo niegues", todos con letras de José María Tasca. "Una cita en el 2000" balada compuesta con Ricardi, "Me lo diste todo enamorada", con Ferrari.
Los temas instrumentales fueron grabados, en su mayoría, por su cuarteto y "Fortín cero" por Ernesto Baffa y por Lorenzo Barbero.



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Folklore - Los Trovadores - Música en folklore

20 de diciembre de 2009

Para quien suscribe, uno de los LP de mejor concepción que hiciera el mejor conjunto vocal de nuestro país.
Más allá que con el correr de los años, fueron surgiendo otros grupos, Los Trovadores desde sus mismos inicios –modestos en calidad de arreglos- fueron inmediatamente aceptados por el público, porque más allá de la transformación de la entrega, SE ENTENDÍA LO QUE CANTABAN.
Fueron –creo lo son todavía- los más inteligentes para resolver un repertorio, que luego fueron puliendo con arreglos magníficos.
Seguramente otros fanáticos de Los Trova –hay millones, les aseguro- pondrán el grito en el cielo, porque puedo llegar a menoscabar o
tras formaciones, pero la etapa de la integración de Damián Sánchez, creo que fue lo que mejor le ocurrió al conjunto santafesino.
Lograron, en ese entonces, estabilidad en el repertorio, mejoraron con las musicalizaciones de Damián, logrando atrapar definitivamente a la juventud folklórica de aquellos tiempos.
Respetuosos al máximo de los arreglos y las presentaciones en público, tenían una rutina de la cual no se apartaban, hasta que no salía el nuevo material.
Desde afuera y pasado el tiempo, creo que la maduración se d
ebió a la confianza del grupo en su arreglador.
Súmele a eso, que los integrantes fueron magníficos e insuperables.
Su compromiso con el tiempo que corría, la firmeza y ternura de las voces, fueron el imán final para meterse definitivamente al público en el bolsillo.
Disfrútelos…Porque no es un LP común y corriente, es una maravillosa clase de canto.
Ah; y lamentablemente, no se volverán a repetir.

Alemán56

LOS TROVADORES - MUSICA EN FOLKLORE
Grabado en 1969, Sello CBS Columbia


INTEGRANTES:
Francisco Romero
Carlos José Pino
Héctor Anzorena
Damián José Sánchez
Francisco Figueroa


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Paraguay - HERMINIO GIMENEZ- Canta Ramón Cáceres-


Este LP, lo rescaté de la página:
http://www.discosdificilesdeconseguir.com
Lo busqué por mucho tiempo, incluso, lo pedí a amigos paraguayos, pero nada.
La suerte quiso que esta notable página, consiguiera algo que es casi imposible de conseguir en el interior del país, por lo menos.
Es un trabajo, de los tantos del genial director, que propone una idea concreta: Darle a la música paraguaya un color distinto a lo común. Volcar en la música popular, toda la artillería de una orquesta cuasi de cámara, no fue por snobismo, si no, porque el gran maestro interpreto el sentimiento natural de cada músico, conferir a una obra, la importancia que merece sin escatimar esfuerzos.
Con ello logró entregar al público, una musicalidad distinta, sin quitarle la fuerza y pureza de la original.
Del genial Herminio Gimenez podríamos hablar semanas y llenar páginas hasta el cansancio, sin embargo, es una de los tantos olvidados de la música latinoamericana. Tal vez, un poco por la forma de ser del mismo Herminio, pero más responsabilidad, creo, han tenido las empresas discográficas, que tuvieron el honor de tener dentro de sus contratados a un músico de esta categoría. Que brindó lo mejor para ellos, pero que no fue retribuido de la misma forma, en cuanto a promoción y difusión de su prolífica producción.
Veamos algo de su rica historia:
El maestro Herminio Giménez, nació en el pueblo de Caballero -Paraguay, el 20 de febrero de 1905 y falleció en Asunción, después de las 23:30 horas del día 5, pero siempre se ha dicho que fue el 6 de julio de 1991. El maestro Herminio Giménez, nació en el pueblo de Caballero -Paraguay, el 20 de febrero de 1905 y falleció en Corrientes, después de las 23:30 horas del día 5, pero siempre se ha dicho que fue el 6 de julio de 1991.
A la edad de 11 años ya integraba la Banda de música del Paraguari, y dos años más tarde fue contratado por la Banda de la Ciudad de Asunción. Allí, a temprana edad, comenzó su extraordinaria carrera con la aún exitosa polca Jasy Morotí, en 1918. La excelencia de sus creaciones hizo posible que el magnífico fulgor de su música fuera cobrando vuelo hasta convertirse en uno de los grandes compositores latinoamericanos.
Fue el primero en grabar en discos la música paraguaya, en Buenos Aires, 1927. Durante la guerra entre Paraguay y Bolivia, 1932-1934, se lo designó Director General de Música del ejército en campaña, siendo galardonado con una condecoración. Terminada la contienda guerrera, tuvo que soportar más de 40 años de exilio, sin perder su identidad cultural, y difundió por todo el mundo la música nativa.
Gracias a su extraordinaria memoria, pudimos hacer un listado de sus numerosas composiciones para un libro que preparaba el escritor paraguayo José Fernando Talavera, en 1987.
Parte de sus obra se abren en un arco iris que abarca Polcas y Galopas, Guaranias, Música para películas, Marchas, Canción de cuna, Valses, Chamamé y rasguido doble; “Añorando a Matto Grosso”, “Al Papa Wojtyla”, “Ruperto Bravo”, “Feliz Cuarto Centenario, Corrientes”, “Sapukái en las Malvinas”, “Puente General Belgrano”
Talentoso y genial creador musical, que ha dejado una obra incalculable valor, hecha con intenso trabajo y maestría, con gran sensibilidad y arte; con vehemente pasión y excelencia. Herminio Giménez, seguirá viviendo por siempre en su legado inmortal, la música.

Por Girala Yampey
http://www.corrienteschamame.com


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Tango - Enrique Capos – Estás en Buenos Aires


Nombre real: Enrique Inocencio Troncone
Nació el 10 de marzo de 1913, dejando de existir el 13 de marzo de 1970.
Uruguayo, su debut se produjo en el Cine Helvético de la pequeña localidad de Colonia Suiza, acompañado por los guitarristas Alfredo Solís y Carlos Méndez el 6 de enero de 1936. Actuaba con su verdadero nombre, Inocencio Troncone. Tres meses después, exactamente, se presenta en la recordada audición "Caramelos surtidos", ante los micrófonos de la emisora CX 18, con los guitarristas Fontela y Silva Aguilar, pasando inmediatamente al elenco de Eduardo Depauli. Allí, Agustín Pucciano y Depauli le crean el seudónimo de Eduardo Ruiz, que le acompañaría hasta 1943.
Su popularidad se acrecienta y sus éxitos se repiten. Interviene en la película nacional "Radio Candelario" junto a Eduardo Depauli, Miguel Ángel Manzi y el extraordinario dúo formado por Carmen y Magdalena Méndez, cuyo estreno se realiza en el cine "Radio City" el 21 de agosto de 1939.
En enero de 1940 emprende una gira por el sur del Brasil con las guitarras de Fontela, Pizzo y Falco reapareciendo en Montevideo por CX 46 Radio América unos meses más tarde.
Al año siguiente realiza una temporada como cantor de la orquesta bajo el nombre de Pintín Castellanos, encabezada por Alfredo Gobbi y Armando Blasco. Este conjunto, de gran calidad musical tuvo actuación destacada en el Palacio de la Cerveza de la calle Yatay, en el Cabaret Tabarís y Radio Monumental.
En su etapa siguiente forma parte del recordado conjunto Laurenz-Casella, realizando numerosos bailes y presentaciones radiales, además de hacerlo desde el famoso palco del Café Ateneo. Esta orquesta la formaban prestigiosos músicos. Alternaban Julio Tobías y Sebastián Garreta en el piano, el contrabajista Mainardi y entre bandoneones y violines los directores, Félix Láurenz y Pedro Casella, Donato Raciatti, López, Ramón Panedas, entre otros. Desde allí fue el "salto" a la conquista de Buenos Aires como cantor de orquesta. En principio, "Eduardo Ruiz" no sabía cual sería su destino. Creyó que sería el conjunto del gran violinista Antonio Rodio pero una rápida gestión de Ricardo Tanturi, que conocía sus condiciones, motivó su incorporación a la orquesta típica "Los Indios" dirigida por Tanturi. Era "la voz distinta" para reemplazar a Alberto Castillo. En principio el director lo convence para cambiar su nombre artístico diciéndole que estaban actuando Ricardo Ruiz y un cantante melódico Enrique Ruiz y que era conveniente evitar confusiones. Tanturi abrió al azar una guía telefónica y dijo: "acá está, usted se llamará Enrique Campos".
Enrique Campos debuta en Radio El Mundo como cantor de la orquesta Tanturi e inmediatamente comienza a grabar discos. Los dos primeros temas, registrados el 4 de agosto de 1943, fueron el tango de Luis Porcell y Leopoldo Díaz Vélez "Muchachos comienza la ronda" y el vals de Raúl Iglesias y Juan Gatti, "Al pasar".
En marzo de 1946 contrae enlace, fundando un hogar ejemplar. Al mes siguiente, luego de realizar un baile en el Club "Unión" de Caseros (barrio del gran Buenos Aires), canta por última vez con Tanturi, alejándose para realizar actuaciones como solista con acompañamiento de guitarras.
Francisco Rotundo lo contrata como cantor de su orquesta en marzo de 1947 donde comparte su labor con el cantor Mario Corrales, presentándose en Radio Splendid, teatro "Empire" y café "Nacional" de la calle Corrientes. Posteriormente forma una orquesta que encabeza junto al bandoneonista Alfredo Calabró. Realizaba sus presentaciones el periodista Raúl Hormaza. De la orquesta Campos-Calabró se comercializa un solo disco que sobre matrices argentinas es reproducido por "Sondor" en Montevideo y estaba formada por Sebastián Garreta, piano: Alfredo Calabró, Roberto Pansera, Caruso y López bandoneones, Raúl Domínguez, Lijó y Mosca violines y Samonta, contrabajista.
Finalizada la temporada, ya en 1950 encabeza otra orquesta en la que comparte su labor con su gran amigo Juan Carlos Miranda. Tuvo efímera duración, porque Enrique es requerido por Francisco Rotundo, ante el alejamiento de Carlitos Roldán. Tiene entonces por compañero en el canto a Floreal Ruiz. Debuta en el disco el 10 de agosto de 1951 con el tango de Juan Fulginiti "Llorando la carta" y en diciembre de ese año realiza en la orquesta de Rotundo a dúo con Floreal Fuiz su antológica interpretación del famoso vals de Charlo y José González Castillo "El viejo vals".
En octubre de 1952 se aleja y poco después es contratado para cantar en la orquesta de Roberto Caló que integraban figuras importantes como Osvaldo Tarantino en el piano, Leo Lípesker en violín y Ernesto Franco en bandoneón. Su labor se prolonga por dos años, hasta que, por tercera vez acude al llamado de Francisco Rotundo, accediendo a cantar en su orquesta que entonces arreglaba el primer bandoneón Luis Stazo. Había otro cantor en la orquesta: Ricardo Argentino, más tarde reemplazado por Alfredo Del Río.
En 1957 vuelve a formar orquesta, un quinteto dirigido por el pianista Dante De Simone y posteriormente forma rubro con la cancionista Elena Maida en un conjunto arreglado por Dante Smurra. Va espaciando sus actuaciones absorbido por sus actividades comerciales. En 1962 se presenta en un programa especial de Canal 4 en Montevideo, acompañado por el conjunto de Toto D'Amario y al regresar a Buenos Aires canta en la orquesta de Graciano Gómez presentándose ante micrófonos de "Splendid".
Lo encontramos en 1965 en Radio El Mundo acompañado por la orquesta de Dante Smurra y en 1969 comienza a grabar como solista en el sello "Magenta". Viaja a Montevideo cantando en TV en el programa de Miguel Angel Manzi el vals de Héctor Marcó "A mi padre" y el tango de José Canet "La abandoné y no sabía". Al regresar a Buenos Aires actúa en "El farolito" de Villa Crespo y es designado jurado para el Concurso de Tangos de La Falda (Córdoba).
Le pertenecen algunas obras. Los tangos "Esclavas y reinas" y "Dale Artime" con Jorge Moreira, el candombe "Dale negra", con el mismo letrista y el vals "Por qué no estás tú" con Julio Jorge Nelson. Con Jorge Moreira con quien tuvo una fraterna amistad musicó además "Aunque me llame papá", "Buenos Aires del 40", "Para el final", "Del potrero", "Pero quisiera encontrarte" y el vals "Te estoy agradecido". Finalmente con Juan Bautista Fulginiti "Conformate con ser buena".
Fuera del rigor cronológico, debemos señalar que el tango que le sirvió de presentación en Buenos Aires fue "Percal", acompañado en la oportunidad por el piano de Manuel Sucher.
Prematuramente, en Buenos Aires, ante la congoja general y de los que fuimos sus amigos, Enrique Campos nos dejó el 13 de marzo de 1970, aunque su recuerdo y su presencia nos acompañarán siempre.
Queda el testimonio de los discos para confirmar sus grandes condiciones y dejar en evidencia de que fue uno de los grandes cantores uruguayos del tango.

Fuente:
http://www.todotango.com/spanish/creadores/ecampos.html



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Folklore Cuyano - Cantares de la Cañadita

La foto es solo referencial

Seguimos disfrutando del material de Cantares de la Cañadita, que nos sigue proveyendo nuestro amigo Currilipi.
En éste caso, se suma un casette que solo está identificado con el nombre del conjunto, una foto y la lista de los temas.
No importa.
Por suerte, existen personas desprendidas, que sin egoísmo alguno, nos permiten llegar con estas cosas para poder disfrutarlas, revivir momentos fantásticos de aquel grupo y sumar a nuestra discoteca, material que lamentablemente, ya es muy difícil de conseguir.
Son pocas las ocasiones que podemos acceder a ciertas joyas, que en muchos casos son regionales, lo cual dificulta mucho más la tarea de su búsqueda y de poder adquirirlos.
Sin embargo, es imposible de creer, que productoras, grabadoras y disquerías ya no se interesen en este tipo de material que son verdaderas joyas de la música nacional.
No hace mucho tiempo, un grupo de amigos, me propuso volver a editar todo este tipo de música, sólo para aquellos que quisieran tenerlo. Habían hecho un contacto con gente de Bs. As., que respetaba incluso, la espera de conseguir el Sí de los interesados y la recolección del dinero. Pero, no hay dudas, el que se rasca le viene la sarna, uno de los adalides de aquel grupo sufrió un accidente, y todavía anda medio clueco, así que se demoró todo.
Esperemos en el 2010, podamos juntarnos como en marzo de éste año, y congeniar alguna idea, para lograr este proyecto. En una de esas, podemos conseguir quién haga el tratamiento y grabación de los temas y lanzar a precio de costo, una buena variedad de discos que ya no se consiguen.
Esperemos que se de.

Aleman56


1 San Juan de mis amores vals F. Blanco
2 La mariposa tonada H. Cuadros M. Pardo
3 Recordando el pasado cancion H. Cuadros
4 Fortin puntano gato A. Alfonso J. Zabala
5 La Dormiqueña cueca C. Canciello
6 Mañanitas cuyanas vals H. Cuadros
7 Tus encantos vals H. Cuadros
8 Llorando ausencia tonada V. Peralta
9 Mujer ingrata vals H. Cuadros
10 La primavera cueca Perez Cardozo Videla Flores
11 Pa mi pago es el gato gato S. Flores A. Azaguate
12 Tal vez un dia tonada M. Bravo




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Tango - Pedro Laurenz - Quinteto

En 1969 lograron convencer a Pedro Laurenz para la formación de un quinteto y así grabar un disco con sus propios temas.
El repertorio armado - con los arreglos de Luis Pereyra- no se acercaron a la fuerza interpretativa de Laurenz, quedó documentada la sonoridad de su bandoneón que a los 69 años mantenía firme desde su creatividad como compositor y ejecutante, y en especial dejó su nuevo y magnífico tango "Esquinero", de ricos acordes y juegos de modulaciones y fuerza expresiva.
Aquel último círculo privilegiado de compartir una sesión con Laurenz, lo completaban:
Eduardo Walczak, (violín), Rubén Díaz (guitarra eléctrica), José Colángelo (piano) y Luis Pereyra (contrabajo).

Es cuestión de oído…

El texto precedente, proviene de Internet, lo cual no quiere decir que sea palabra santa, pero supuse que una opinión que terciara con mi gusto y su opinión, valdría la pena.
Seguramente, no es lo mismo escuchar a Morán con otra orquesta que no fuera la de Pugliese, a Dante sin De Angelis o Castillo sin Tanturi...
Pero, justamente el hecho de poder escuchar otra sonoridad, otros arreglos, otros artilugios de adaptación a las voces, hace que uno valore ciertas cosas que son importantes.
Y en el caso del quinteto de Laurenz, tengo solo estas grabaciones, me permitió con la nueva técnica de grabación, descubrir por ejemplo, la sonoridad clara y digitalización pura del bandoneonísta, hay que tener en cuanta que ya casi pisaba los 70.
Adquirí, por ejemplo, la posibilidad de ver como se adaptaba nuevamente a un cuadro de situación, que ya había vivido con otros interpretes (caso Quinteto Real) y ver hasta adonde llegaba su liderazgo dentro del movimiento de los instrumentistas.
Ojo que aquí hubo cuatro monstruos, no eran guitarreros de oreja de un boliche cualquiera. Eso hace que uno dimensione algunas cosas, que las viejas grabaciones no pueden lograr.
Vale decir, que es lógico que me gusta mucho más con su vieja orquesta o con el Quinteto Real, pero le sugiero no se pierda esta oportunidad de sopesar a un grande, utilizando las nuevas técnicas de grabación.
Le ruego escuche el cuasi solo fina, tema 10 (Esquinero), que a pesar de los años, se convierte en una joyita que muestra la calidad del intérprete.
Por eso digo: Es cuestión de oídos…
Así que, úselos.
Espero les guste y disfruten de este material.

Alemán 56















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La selección de Pedro Laurenz la publicó el sello Microfón en el año 69, el diskette se llama "Pedro Laurenz por Pedro Laurenz", te faltan 2 temas muy buenos, aquí te los mando.
FELICES FIESTAS !!

Miruslao Jodka

Milonga de mis amores
Amurado

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Tango - Alfredo De Angelis - Medallita de la Suerte

Nombre real: Alfredo de Angelis
Nació el 2 de noviembre de 1910, en Adrogué, Pcia. De Buenos Aires, Argentina y falleció el 31 de marzo de 1992.
Desde muy joven integró diversas orquestas, hasta que formó su propia orquesta en 1940, debutando el 20 de marzo de 1941. De Angelis se caracterizo por el estilo bailable que impuso, y fue uno de los protagonistas del resurgimiento del tango en la década del 40 y del 50. Entre los cantantes que se desempeñaron en su orquesta, se destacaron Floreal Ruíz, Carlos Dante, Julio Martel, Oscar Larroca, Juan Carlos Godoy, Roberto Florio, Roberto Mancini, Lalo Martel, entre otros.
El 1 de abril de 1946 la orquesta de Alfredo de Angelis dio inicio al Glostora Tango Club por Radio El Mundo, un programa musical de quince minutos, con público en vivo, que se volvió el más popular de la radiofonía argentina manteniéndose 22 años en el aire, y en la que De Angelis se convirtió en su número principal.
Fue artista del sello Odeón entre 1943 y 1977, estableciéndose como uno de los más prolíficos intérpretes de tango ligados a esa compañía, como también lo fueron Miguel Caló, Francisco Canaro y Osvaldo Pugliese.
En 1980 retornó a la actividad discográfica grabando en Microfon y luego en CBS, aunque en 1982 registró dos larga duración para el sello colombiano Fuentes, junto a sus ex cantores Juan Carlos Godoy y Roberto Mancini.
Fuente: http://es.wikipedia.org

Los Cantores

Carlos Dante
Nombre Real: Carlos Dante Testori
Nació el 12 de marzo de 1906 y Falleció el 28 de abril de 1985.
Carlos Dante, personalísimo cantor intimista de nuestro tango, dejó de existir el domingo 28 de abril de 1985, luego de una trayectoria plena de adeptos bien ganados y de ocupar un lugar inamovible entre los más destacados intérpretes de nuestra música de la ciudad.
Había nacido en la muy porteña barriada de Boedo. Se formó en un modesto hogar de gente honrada y trabajadora. Como tantos otros muchachitos de la época, esperaba ansioso el domingo para marcharse a patear una pelota de fútbol en los terrenos baldíos de Villa Dominico. Y los atardeceres de barrio, recostado en la vidriera del almacén de la esquina -como en los versos de Homero Manzi-, silbando y canturreando tangos.
Estudiaba y trabajaba de aprendiz en un taller, cuando un amigo de su padre, advirtiendo las condiciones vocales del muchachito, lo vinculó a un grupo de teatro profesional. Y de allí su gran oportunidad, para debutar profesionalmente como cantor de la orquesta de Francisco Pracánico, inaugurando el 16 de agosto de 1927 el cine Astral, de Corrientes angosta, actualmente teatro Astral.
Debutó Carlos Dante en la actividad discográfica como vocalista de la flamante primera orquesta de Juan D'Arienzo -que no había adoptado todavía la modalidad rítmica que lo condujo luego a la popularidad-, registrando una serie de versiones para el sello "Electra", cuyas placas sobrevivientes constituyen uno de los grandes atractivos de los coleccionistas de discos de la actualidad.

Y de allí a Europa. Viajó con Rafael Canaro a Francia. Cuatro años en París, Madrid, Lisboa, Roma, Atenas. Contaba Carlitos que al término de su actuación, una noche, en el "Garrón" de Montmartre, con la orquesta de Manuel Pizarro, se aproximó un distinguido caballero, expresándole en correcto castellano: «Lo escuché con mucha atención. Es usted un excelente cantor de tangos. No cambie nunca su manera de cantar. Al tango hay que decirlo, no gritarlo.»
Diez años en aquel inolvidable programa cotidiano Glostora Tango Club, transmitido por Radio El Mundo. Trece años con De Angelis. Los mejores de Dante. En 1957, la desvinculación del cantor, formando dúo con Oscar Larroca. Duró poco la nueva orientación artística. Tal vez cansado ya de tantos años cantando tangos como se deben cantar los tangos.

Oscar Larroca
Nombre Real: Oscar Antonio Moretta.
Nació el 5 de julio de 1922 y falleció el 26 de agosto de 1976.
nace en el barrio de Almagro quien sería el gran cantor Oscar Larroca, hijo de Nicolás Moretta y Elsa Bugarelli.
Su padre guitarrero y cantor gauchesco, destacado en las peñas de la época, despertaría la vocación en su hijo Oscar.
Desde pequeño la guitarra fue su compañera, sus padres lo inscriben en el Conservatorio Nacional de Música, egresando con el título de profesor de guitarra, ya adolescente también comienza el estudio de canto.
Sus primeras actuaciones como cantor las realiza acompañándose con su guitarra. Su buena voz y el gusto de cantar obligaban su participación en las fiestas de fin de curso escolares.
Como compositor produjo varios temas: "Juana milonga, señora", "No me dejes corazón" y el vals "Engañándonos", el que fue grabado por distintos cantantes melódicos latinoamericanos, siendo un gran éxito de Bienvenido Cárdenas.
En actividad y en la plenitud de sus condiciones vocales e interpretativas, con contratos a cumplir, muere en el invierno de 1976, a los 54 años de edad.
Su hijo Oscar continúa con la posta. También de oficio cantor, mantiene viva la pasión por el tango que le legara su padre y lo hace muy bien.



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Tango - Alberto Marino - Grandes éxitos

Vicente Alberto Marinaro ; una de las voces mas importantes de nuestro tango , nació en la ciudad de Verona – Italia el 16 de Abril de 1920.
Sus padres Angel Marinaro, su madre Ángela Musso eran cantantes líricos, y tuvieron seis hijos; Carmela, Dina , Flora, Vicente Alberto, Nina y Gino.
Su abuelo vino a Argentina como inmigrante antes del 1900 y se radicó en la provincia de Salta, dedicándose a la explotación de Minas de Carbón.

Con el tiempo mandó buscar a sus familiares y en 1926, sus padres obedeciendo el pedido de su abuelo, arribaron a Buenos Aires.
En 1928, Don Ángel y su familia al no aclimatarse en Salta, deciden instalarse en Buenos Aires.
Pasa su infancia en el Barrio porteño de las Cañitas y en 1938, se decide a estudiar canto, con el maestro Bonessi, quien para ese entonces era profesor de los mas grandes cantantes de tangos.
Al tiempo debuta en Radio La Nación (actual Radio Mitre), bajo el seudónimo de Alberto De Mari. Había un joven de su edad que tenía pretensiones de tener su orquesta propia, que tocaba el bandoneón, llamado Emilio Balcarce, y lo tentó para que cantara con el.
Si bien ese fue su comienzo, la patriada duró poco, dado que la orquesta se disolvió. Fortunato Martino un bandoneonísta que había dejado la orquesta de Francisco Lomuto, formó su orquesta y lo invitó al joven Alberto Marino para que se incorpore; al tiempo pasó a cantar con otro bandoneonísta, Luis Moresco.
El bandoneonísta, Emilio Orlando, dejó la orquesta de José De Caro en
1939 para formar la suya propia e incorpora como cantantes a dos jóvenes talentosos cantantes, dotados de un color de voz y un registro poco común.
Uno era Roberto Rufino y el otro Alberto Marino, el primero con 17 años; Marino con flamantes 19 años. Debutan en el Alvear Palace Hotel.
Eran tiempos del gran despegue que se produciría a partir de 1940. Rodolfo Biagi, que se había ido de la orquesta de Juan D'Arienzo en 1938 y había formado su orquesta , que además tenía un éxito rotundo para el año 1941, le echó el ojo al joven Marino, y no dudó en tentarlo y Alberto le pidió unos días para contestarle, pero íntimamente quería aceptar. Rodríguez Lesende, Andrés Falgas, Jorge Ortiz, habían pasado por esa orquesta, que no era poco, pero quiso el destino que su destino fuera otro.
Aníbal Troilo era para la década que comenzaba, director de una de las orquestas líderes entre los porteños.

Pichuco con su olfato tan particular sabía que un solo cantor no bastaba para dar respuesta a tanta demanda de parte del público, que ansiosamente estaban ávidos de escuchar las letras nuevas que los poetas escribían y que reflejaban esas historias de vida contadas en tres minutos.
Sabía de las mentas del pibe Marino, y no dudó en ofrecerle incorporarse como segundo cantor a su agrupación secundando a uno de los iconos más grande de la canción: Francisco Fiorentino.
El tano Marino, siempre fue reconocido en el ambiente como un hombre de bien. No olvidaba que hace muchos años cuando comenzó Emilio Balcarce lo había invitado a ser el, el cantor de su Orquesta.
Por lo tanto, y en conocimiento que pronto dejaría de acompañar a Alberto Castillo, le ofreció hacerse cargo del acompañamiento musical en esta su nueva etapa de solista. Balcarce aceptó gustoso, y comienza una etapa brillante actuando en radios y en el café Marzotto.
Comentan los que estuvieron en el debut de Marino, que era tanta l
a gente que acudió a la presentación de Alberto en el Marzotto, tuvieron que cortar la calle Corrientes entre Libertad y Cerrito.
Llovían las ofertas para actuar en todo lugar de Tangos, las compañías discográficas se lo disputaban y la Compañía Odeón que le hizo la mejor propuesta se quedó con la nueva estrella.
Graba para este sello en 1947, La Muchacha del Circo y Organito de la Tarde, temas que inmediatamente se agotaron dado el espectacular éxito de los mismos entre el publico que lo seguía. También graba "Canzoneta", "La casita de mis viejos" y "Venganza".
Cuando Emilio Balcarce le comenta a Marino que dejaba la dirección de la Orquesta para dedicarse a ser orquestador, Marino elige al maestro Héctor María Artola quien pasó a ser su nuevo director.
Los éxitos de la actuación de Marino eran moneda corriente, Ebro Bar, Ruca, Tango Bar. Las Confiterías Richmond, La Armonía, eran algunos de los lugares donde Marino trabajaba a sala llena. Recorrió todo el país, llevando a más público su hermosa voz. Comienza a viajar al extranjero, y la colonia latina de Nueva York conoce a Marino acompañado en ese momento por Osvaldo Tarantino.
A fines del año 1969 viajó a Japón, acompañando a una embajada de Tangueros donde entre otros estaba Héctor Varela. Alberto Marino, fue siempre un brillante profesional, responsable, estudioso, buen esposo y padre, asumiendo con mucha dignidad la pérdida prematura de su querida esposa Irma Argentina Galván, quedando el, al cuidado de sus dos hermosos hijos, Carlos Alberto y Claudia Analía, quien con el paso de los años, Claudia, siguió los pasos de su padre como interprete de tangos.
El 20 de Junio de 1989 a los 69 años, fallece uno de los mejores intérpretes que dio nuestra canción popular.
Texto extraído de Taringa NET, y aparentemente, escrito por su nieta.




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Tango - Héctor Mauré - Recordando a Héctor Mauré

Héctor Mauré: Cantor entre cantores.
Tenía una calidad inigualable para meter entre la pequeña historia que cantaba, al oyente.
No era exagerado con los gestos y su expresión más visible, era la de su rostro, que se transformaba con cada gesto que marcaba lo emocional de la letra que cantaba.
Ya les comenté qué pasó con la carrera de Mauré, por su cercanía con el Justicialismo y la grabación de la Marcha.
En esta oportunidad, quiero dedicarla a la constante del cantor, con un repertorio, mitad armado por la misma gente, y una segunda parte, que Mauré cantaba en vivo, pero cuando llegaba la hora de grabar, las imposiciones eran otras.
Lo persiguieron éxitos de la talla de Lilian, Caña, Mano cruel, etc.
Sin embargo, y esto corroborado con personas muy amigas del cantor, Mauré cantaba canciones criollas con mucho placer y calidad.
Le gustaba el acompañamiento de las guitarras, decía que
ese sonido, la presencia del instrumento y la igualdad en la posición del escenario de los ejecutantes, hacía que presintiera que se cubría todo el espacio. Era una idea clara de lo que conocía del dominio de la escena, cómo pensaba el acto de cantar, más allá de saber que con cuatro o cinco tangos clásicos, él se ganaba el público.
Eso, es responsabilidad profesional, calidad de artista y es haber sacado provecho a los años de tarea.
Mauré, hoy por hoy, sigue acallado, con disimulo, pero semi proscripto.
Pareciera que ni su muerte, la cantidad de grabaciones he
chas y una carrera intachable, no alcanzan para retomar al cantor, a partir de su tarea y no desde su ideología.
Estoy seguro que compartirán conmigo el cierre de esta charla –más sentimental que erudita- concluyendo que: podrán seguir semi proscribiéndolo en
los medios, pero, ni ayer, ni hoy y seguro tampoco mañana, podrán borrar de la memoria y el alma del público tanguero, el recuerdo de uno de los grandes cantores de tango y canciones criollas, como lo fuera y es: Héctor Mauré.
En el paquete que bajarán, encontrarán toda la información sobre este LP que les acercamos.
Disfrutenlo.

Aleman56


Recordando a Héctor Mauré

Lado A
01 - Tarde gris (Juan B. Guido - Luis Rubinstein)
02 - Paciencia (Francisco Gorrindo - Juan D´arienzo)
03 - Lilian (Luis Caruso - Héctor Varela)
04 - Puente Alsina (B. Tagle Lara)
05 - Volvió una noche (Carlos Gardel - Alfredo Le Pera)
06 - Mano Cruel (Carmelo Mutarelli - Armando J.M. Tagini)

Lado B
07 -Cafetín de Buenos Aires (Enrique Santos Discépolo - Mariano Mores)
08 - Quiero verte una vez más (José M. Contursi - Mario Canaro)
09 - Jamás lo vas a saber (Bernardo Manuel Sucher - Ariel Mariano Aznar)
10 - Sueño de juventud (vals) (Enrique Santos Discépolo)
11 - Caminito (Juan de Dios Filiberto - Gabino Coria Peñaloza)
12 - Caña (E. Mónaco - J. Araujo)

Dirección Orquestal:
1,3,6,8,10,12 : Jorge Dragone
4,7,11: Leopoldo Federico
2,5,9: Lito Escarso.

Ripeado de Vinilo:
Music Hall 90.903 (estéreo) (Serie Difusión Musical)



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Jazz - Le Quintette du Hot Club de France

Entre mediados de los años treinta y casi hasta el final de la II Guerra Mundial, la música de jazz fue la favorita del público mayoritario en los Estados Unidos. Ni antes, ni después, eso volvería a suceder. El swing, ese balanceo rítmico que dio nombre no sólo al baile sino a toda una época -el Swing con mayúsculas- se difundía de costa a costa, a través de las retransmisiones en directo por las emisoras de radio de los conciertos de las grandes bandas. Los nombres de Benny Goodman, Jimmie Lunceford, los hermanos Dorsey, o Duke Ellington, se hicieron populares entre el gran publico y su fuerza llegó hasta la vieja Europa. Hasta en la misma Alemania nazi, llegarían los ecos de esa música, desafiando claramente la actitud hostil del régimen fascista hacia esta música. Pero fue en Paris -otra vez Paris- donde se produce el fenómeno más importante de penetración del swing fuera de las fronteras americanas. Alrededor del influyente critico musical, Hugue Panassié, quien fundo en 1932 el Hot Club de Francia, la revista "Jazz Hot" en 1935 y el sello discográfico "Swing" en 1937, se consolida un movimiento musical importante. El quinteto original estaba formado por Reinhardt, Grapelli, Joseph Reinhardt, hermano de Django y Roger Chaput, en guitarras rítmicas, y el contrabajista Louis Vola. Panassié, incluyó en el Quinteto inicial del Hot Club a dos músicos trascendentales para el devenir del jazz en el viejo continente: el violinista Stephane Grapellí, y sobre todo el guitarrista belga, Django Reinhardt, el músico europeo de jazz que más ha influido sobre sus compañeros norteamericanos de cualquier raza a lo largo de todos los tiempos. Hugue Panassié, aún salvando el olfato comercial, jamás imaginó lo que significaría el Hot Club, para la historia del Jazz. No solo los dos mencionados fueron esenciales, allí también pasaron las figuras más importantes del jazz mundial. Voces, instrumentistas y bohemia jacística generaron la polvora con que se dispararía una de las leyendas más destacadas de la historia. Stephane Grapellí y Django Reinhardt, violín y guitarra, aparecen aquí con imprescindibles temas de la historia en común con el Hot Club de Francia. Disfrútenlos, valen la pena para observar a que nivel se llegó en aquel entonces.

Alemán56



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Instrumental - Orquesta Serenata Tropical - Love Story

Es una formación de la cual no se conoce nada. Muchos sospechan –por la certificación del los LP’s- que es una formación de estudios de Brasil. Sin embargo, no se conoce nada más. Los productores la resguardan muy bien. Suele ocurrir, que este tipo de formaciones utilizan grandes figuras que tienen contratos con otras grabadoras. Ocurría aquí con Lito Escarso, Vincent Morocco, etc. A pesar de todo, y contra toda lógica, esta formación he permanecido en el tiempo y hasta cerca del dos mil cuatro, estuvo sacando trabajos discográficos. Espero alguno tenga datos ciertos, confirmados y pueda dejarlos en el correo para brindar mejor y mayor información. Mientras tanto, disfruten de una selección muy especial y romántica.
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Tango - Los Magaldi - Mi padre y Yo

Agustín Magaldi
Nació el 1º de diciembre de 1898 en Casilda, provincia de Santa Fe; y muere el 8 de septiembre de 1938.
Apodo: La voz sentimental de Buenos Aires
Tal es así que a comienzos de la década del veinte Agustín forma dúos con amigos santafesinos como Héctor Palacios —luego famoso solista—, Nicolás Ros
si y Espinosa (del cual no se conoce su nombre de pila), entonando piezas del repertorio criollo.
En 1923 decidió radicarse en Buenos Aires y comienza a cantar en cafetines, canciones criollas y tangos, hasta que en 1924, apadrinado por la famosísima cancionista arrabalera Rosita Quiroga ingresa al sello Victor.
El dúo Quiroga-Magaldi graba pocos discos ya que en 1925 por intermedio de Enrique Maciel se forma el dúo Magaldi-Noda.
Pedro Noda, cantor de Mataderos (barrio de los suburbios de Buenos Aires) era la segunda voz ideal para la tonalidad de Agustín y a partir de entonces comenzará a forjarse la historia de uno de los mejores dúos de todos los tiempos.
Agustín, además de cantar en dúo lo hacía como solista,
incluyendo grandes tangos a su repertorio.
Los guitarristas iniciales del dúo fueron Enrique Maciel y José María Aguilar. En 1926 Genaro Veiga y Rosendo Pesoa. En 1927 Pesoa y Rafael Iriarte y en 1928 Diego Centeno y Ángel Domingo Riverol.
En todo ese tiempo el dúo graba en la casa Victor y actúan en los principales cines y teatros de Buenos Aires, en el interior del país y en el Uruguay.
En 1929 pasan a grabar discos en el elenco de la compañía Brunswick y componen uno de sus resonantes éxitos "El penado catorce".
Sus guitarristas son Diego Centeno y Juan Spumer y cantan en radio y durante varias temporadas consecutivas en el Cine Real.
En Brunswick Agustín colabora como estribillista en discos especiales con las orquestas Donato-Zerrillo, Típica Brunswick, Ricardo Luis Brignolo y Osvaldo Fresedo.
En 1933 el dúo junto a las guitarras de Centeno, Spumer
y Colia, vuelve a la casa Víctor y realizan una gira por Chile. Dos años después, participan en la película "Monte criollo" donde interpretan "Mi sanjuanina".
El 31 de diciembre de 1935, después de diez años de grandes triunfos, el dúo se desintegra y en 1936 Magaldi inaugura su etapa como solista exclusivamente, acompañado por las guitarras de Centeno, Ortiz, Francini, Carré y el arpa de Félix Pérez Cardoso, mientras que Noda se une en dúo con Carlos Dante.
Magaldi hace furor en Radio Belgrano y "Nieve" su balada rusa se convierte en su caballito de batalla que el público siempre reclama al igual que su tango "Libertad".
Sus versiones de "La muchacha del circo", "Dios te salve m'hijo", "Acquaforte", "Berretín" y "Consejo de oro", resultan antológicas, no obstante la comparación inevitable que hagamos con Gardel.
Fue distinto, despertó de igual modo la crítica despiadada y la más ferviente adhesión popular, paradójicamente todos lo reconocen como un ídolo y hoy su figura está instalada en la galería de los más grandes cultores de la música popular.

Agustín Magaldi (H)
Nació el 10 de septiembre de 1932.
Se erigió como el continuador de la carrera de su padre, pero ya, los tiempos habían cambiado, su voz se parecía mucho y la gente poco a poco lo fue dejando de lado. Grabo discos y hasta tuvo su cuarto de hora a fines del 50 y principios del 60.
Pero su estrellato no duraría en tiempo y memoria, lo que durara su padre.


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Chile - Basta - Quilapayun

La Sra. Rosario, desde su Chile amado, nos envía este material de Quilapayún. Según su información, el LP es de 1969. Momento de mayor efervescencia política en el querido país del cobre. Pasado todo lo pasado, Rosario pudo esquivarle a la muerte, pero no así su hermano Palmo y su ahijada Lucha. Sin embargo, Internet le está ayudando a reconstruir parte de la historia de lo que fue su vida, “esa que me niego a aceptar, hermanito Alemán”, me dice en tono de tristeza. Por su pedido, evito aquí, poner su correo. Pero juro que sería de mucha utilidad que lo leyeran quienes votaron a Macri and patota. Tal vez, con el mail de Rosario y sus penurias, su relato de cómo empezó todo. Como se fue perfilando el golpe, como lograron destruir el movimiento y de la manera trapera con que confundieron a la gente. Cuanta nuestra hermana chilena, que también compusieron desde las pocas comunas que tenían y desde instituciones que históricamente estuvieron en manos de los saqueadores de su país, los discursos del peligro que significaba un pobre con un buen sueldo y educación. “No te dejes tentar, hermanito. Esos discursos yo los escuche hace más de cuarenta años. Ellos son constantes. Siempre están provocando, armándose y discurseando. Ellos trabajan día a día por su proyecto. Por eso querido, no te dejes tentar”. Esa historia que se niega tenazmente su memoria a recordar, poco a poco y frente a sus ojos, aparece en el ordenador. Y justamente, entre esas cosas, apareció en un blog chileno, éste disco de Quilapayún. “Lo envío, porque observo desde siempre en tu blog, un cariño especial por nuestra querida tierra; y porque les envié tu dirección, a mi cuñada y hermano, que tras la muerte de su hijita (mi ahijada) se refugiaron en Australia. En el edificio en que vivo, tienes cuatro lectoras, más quien te escribe”. Fue muy grato tener que escribir este párrafo para acompañar este disco. Por la honrosa distinción que me hace Rosario, pero también por poder terminar un escrito, gracias a las cosas que me contestara ella, tras una serie de preguntas que le hiciera. Solo resta agradecer a mi querida Rosario, he invitarlos a escuchar este material.


PD.
Puede que no tenga todos los temas del LP original, pero eso es algo que escapa a nuestra disposición para hacer conocer el material, si así fuera: Disculpas, che. En el archivo se encontrarán dos carátulas del disco. Según Rosario, ella lo bajó con la del pajarito cayendo, pero ella asegura que la verdadera tapa, es en la que aparece el grupo como sombras. La portada de los temas, es una travesura mía, que tiene más de simbolismo, que de calidad diagramadora.
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Folklore - Tarrago Ros - De espuelas y alpargatas

13 de diciembre de 2009


Listado de los temas

1) La Guampada - ( Millan Medina)

2) De Espuelas Y Alpargatas (Ros / Fernandez)

3) La Guardia De Seguridad (Millan Medina)

4) La Ranchera Del Paisano Julio (Chacho Santa Cruz)

5) Kilometro (C. Aguer / Transito)

6) El Sargento Sapo ( Millan Medina)

7) Gallo Sapucai (C. Aguer / Ramirez)

8) Las Margaritas (Alfredo Pelaia / D. Pelle)

9) El Burro (Millan Medina Mario)

10) A Curuzu Cuatia (Antonio Tarragos Ros)

11) El Afligido (Antonio Tarrago Ros / Isaco Abitbol)

12) A Bailar Chamarrita ( Ros / G. A. Vega)

13) La Cautiva ( Ros / Taboada / J. Salinas)

14) El Engarronao (Antonio Tarrago Ros)

15) Escuelita De Ayer (Antonio Tarrago Ros)


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Folklore - Ramona Galarza - Tarrago Ros - 1976
















Ninguno de los discos me vino con tapas, así que para éste, recurrí a la página de Folklore Raíz. La Contratapa es una faroleada mía, no más.
de todas maneras, no empedimento para disfrutar de los más importante: La música.
Hay dos colosos haciendo lo máximo para dejar lo emjor de cada uno. El público los premio a lo largo de sus carreras, no solo con el aplauso, si no, que se los guardó bien adentro.
Están en cada rancho, en cada quinchada, en cada baile popular, pero por sobre todas las cosas...
Estan en el alma del pueblo criollo.

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Folklore - Tarrago Ros - Esto es chamamé










Gracias a Mariano Pechi, por los discos del Taita.

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Folklore - El Chango Nieto - Revelación Cosquín 1965

Carlos Alberto Nieto, el "Chango Nieto" es un cantor que, en la plenitud de la vida, ya es un clásico de nuestro folklore.
De aquel lejano Cosquin 65 – el primero para él y de donde salió Revelación – hasta el hoy ha logrado mantener una carrera coherente, exitosa y popular.
Nació en la Provincia de Salta
, tierra de músicos y poetas el 8 de Abril de 1943. En el año 1960 llego a La Plata a completar sus estudios. Por esos años la música folklórica argentina estaba en su gran apogeo; y en una de las peñas tradicionales de esta ciudad se encontró con Hernán Figueroa Reyes, quien después de escucharlo le propone grabar su primer disco.
Desde 1965, donde fue Revelac
ión del Festival Mayor del Folklore en Cosquin, grabo más de 600 canciones, y recibió innumerables premios.
Además su canto trascendió las fronteras de nuestro país, ya que en numerosas ocasiones visito otros países de América, Europa, Estados Unidos y Canadá.

El Chango, en silencio

Era un tipo muy especial.
Solidario, justo en la palabra y con un corazón abierto a cuanta propuesta seria hubiere. No le esquivaba el cuerpo a acompañar en los momentos más duros, a todos sus amigos. No eran muchos, pero ellos saben muy bien, de que hablo. Muchos de ellos –por circunstancias muy especiales- fueron también mis compañeros de café en algún momento.
No era afecto a la promoción o al circo mediático –que siempre lo hubo- pues su vida pasaba por otros vértices. Su familia, su profesión y su economía.
Nunca se le escuchó hablar con desprecio y ninguneando a nadie. Tenía un concepto muy especial para el trato, tal es así, que muchos añorarán hoy, aquella forma de expresarse casi con un murmullo, inclus
o, hasta cuando hacía una broma.
Alguna vez me confesó, que cantar con los ojos cerrados, era una manera de concentrarse, porque si miraba al público, su timidez lo paralizaba.
Sus discursos en el escenario, no eran muestras de locuacidad notable, más vale, la de un tipo que solo le interesaba cantar, y si por él fuese, ni hablaría en el escenario: Solo cantaría.
Nació para cantar. Lo hacía de forma natural, sin poses, ni artilugios raros…
El amaba lo que cantaba, y eso, lo hacía que fuera más íntimo y pasional.
Se nos fue un gran cantor, no lo duden. Pero, también un buen padre, un buen amigo y un ejemplo de calidad humana.
Algunos lo extrañaremos, otros l
o olvidarán…
Lo que nadie podrá cambiar, es el amor de la gente por ese salteño, pintón y cantor.

Premios:
- 2 Discos de Oro
- Disco de Plata
- Camin de Oro a la Trayectoria.
- 1965 - Premio Revelación otorgado en el 5º Festival de Cosquín.
- 1980 - Tercer Premio otorgado en el Festival OTI de la Canción.
- 1980 - Premio Prensario.
- 1985 - Fundación KONEX
Diploma al Mérito
Cantante Masculino de Folclore
- 1995 - Fundacion KONEX
Diploma al Mérito
Cantante Masculino de Folclore
- 2000 - Premio Estrella de Mar
Peña "La Vizcachera" en Mar del Plata
2001- Premio Estrella de Mar
Peña "La Vizcachera" en Mar del Plata
-2006 - XLVI Festival Nacional del Folklore.
La Comisión Municipal del Folklore le entregó un reconocimiento a su vasta trayectoria
- 2007 - Premios Estrella de Mar
"Canciones en familia" Nominado mejor Espectáculo musical individual
(A excepción del Chango, en silencio, lo demás, es un extracto de su página, que sigue abierta:
http://www.elchangonieto.com.ar)


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Testimoniales - Cafrune interpreta a Pedroni

La Botica puede –algunas veces- darse el gusto de poner un post algo especial, diría mejor, muy especial.
En este caso concreto, la presencia señorial y agreste del Turco Jorge Cafrune.
A la par de semejante presencia, la imponente poesía del genial santafesino: José Pedroni.
Es decir, por un lado, aquel de las pilchas de los criollos de guardamontes salteños, los que se ven a diario en los desfiles, pero que Cafrune lucía con prestancia distinta por las co
nnotaciones que él le diera a toda su vida, será quien escapará a aquella figura de matrero, indomable, curtido y orejano, para sumirse en la ternura y simpleza del poeta de los chacareros. Aquel que fuera capaz de armar la cuna para su hijo, la de cantarle a Eusebio Marcilla, el que descubrió otro paisaje a la llanura pampeana: la del hombre y su sacrificio.
José Pedroni:
nació en Gálvez, Provincia de Santa Fe en 1899
y murió en Esperanza Provincia de Santa Fe, en 1968.
Sencillo, humano, accesible por su claridad fraterna, religioso en la intimida
d o en el hogar, compañero de la naturaleza, cantor primitivo, honesto, revelador de un vitalismo de su propio mundo cotidiano.
Obra:
La gota de agua (Buenos Aires 1923), Gracia plena (Buenos Aires, 1925), Poema
s y palabras (Buenos Aires, 1935), Diez mujeres, romances (Buenos Aires, 1941, 2da.Ed., 1945), Nuevos cantos (Buenos Aires, 1944), Canto a Cuba (Buenos Aires, 1960), Cantos del hombre libre (Santa Fe, Argentina, 1960), La hoja voladora (Buenos Aires, 1961), El nivel y su lágrima (Santa Fe, 1963), Obra poética (Rosario, Argentina, 1962, 2 vols.).
Jorge Antonio Cafrune, nació en el Sunchal, Perico del Carmen (provincia de Jujuy) - Argentina), en la finca de sus padres, llamada "La Matilde", un 8 de agosto de 1937. Sus padres, don José Jorge Cafrune y doña Matilde Argentina Herrera, eran ambos jujeños. Descendientes de familias árabes (hijos de sirios y de libaneses).
Vivió casi toda su infancia en la finca con sus padres, y recién se trasladó a la ciudad capital, San Salvador de Jujuy, cuando tuvo que hacer sus estudios secundarios (los cuales realizó en el colegio del Salvador).
Finalizados los mismos, se trasladó con toda su familia (sus padres y hermano, José Demetrio) a la ciudad de Salta. Allí trabajó en el bar Madrid, de su tío Ramsy Cafrune, hermano de su padre. Primero tras del mostrador, y luego como mozo. Esto ocurrió hasta la fiesta de cumpleaños de un amigo, en donde co
menzó a cantar y se encontró con un par de muchachos más, con quienes decidieron formar un conjunto. Fue así que en el mismo bar, cuatro changuitos jujeños (Luis Alberto Valdéz, , Tomás Alberto Campos, Gilberto Vaca y Jorge Cafrune), formaban el grupo folclórico "Las Voces de Huayra".
Con el tiempo y con la fama que poco a poco iba alcanzando con su gente, deja la gira (con la cual recorrió casi todo el país). Instalado ya desde hacía algunos años en la Pcia. de Buenos Aires (Los Cardales), lo llaman para integrar una comitiva Argentina que iría a los Estados Unidos de Norteamérica.
Fue, junto a Hugo del Carril (gran cantante de tango, ya desaparecido) el más aplaudido y esto fue sorpresivo para la propia comitiva.
De allí, pasa a España, formando también una comitiva de artistas (cantores y bailarines).
La Madre Patria aceptó a éste hijo de Argentina con los brazos abiertos y las palmas preparadas para el aplauso permanente.
A pesar de la realidad política que vivía la Argentina, y habiendo varios artistas similares a él a los que los "habían hecho ir" de su país, él volvió a su lugar de origen para cantar lo que todos esperaban escuchar de él
Fue así que durante la época de la dictadura, y durante la presidencia del Gral. Jorge R. Videla decide hacerle un homenaje al Gral. San Martín (libertador de América).
Su homenaje consistía en recorrer a caballo la ruta que unía la Capital Federal hasta Yapeyú (Pcia. de Corrientes - donde había nacido el Gral. San Martín).
Durante su travesía, a primeras horas de la noche del 31 de enero de 1978 y yendo acompañado de otro jinete, es atropellado en la ruta vieja de la ciudad de Benavídez (Pcia. de Buenos Aires) por una camioneta manejada por un menor, que venía tomado y sin luces.
No muere en forma inmediata, sino que es atendido con primeros auxilios y no en forma especializada, ya que no se contaban con los medios para ello.
Fallece durante la primera hora del día 01 de febrero de 1978, en la Pcia. de Buenos Aires, luego de algún pobre intento por salvar su vida (cosa que ya no estaba en manos humanas de lograr).
Atrás quedaba su familia: su esposa Marcelina A. Gallardo y las cuatro hijas que tuvo con ella (Yamila, Victoria, Zorayda Delfina y Eva Encarnación) y la compañera de los últimos años (Lourdes López Garzón - española) y sus hijos (Juan Facundo y Macarena ).
Dejó un sin fin e inimaginable numero de gente que lo admiraba y lo amaba... Y que aún hoy, después de 23 años de faltar su presencia física, lo siguen recordando a través de su canto, su idea y sus palabras.
(Extracto de la biografía escrita por su hija)

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Folklore - Domingo Cura - Percusión en el folklore

Desde que vino a Buenos Aires a los 18 años, junto al mítico armoniquista Hugo Díaz, nunca tuvo prejuicio para mezclarse con otros géneros. De chico había aprendido algunos "trucos" con una orquesta característica de su ciudad, donde había tocado foxtrot, tango y jazz, aunque lo que más había influido en su forma de tocar era el ritmo de los bombistos anónimos de su región: ese toque vital e intuitivo se transformaría con el tiempo en la marca de su estilo interpretativo.
En la ajetreada noche porteña de los años 50 se acercó a la música caribeña y experimentó con el jazz; colaboró con artistas cubanos y figuras internacionales como Nat King Cole, Lucho Gatica y el Trío Los Panchos; se sumó a las refinadas agrupaciones de René Cospito y Eduardo Armani, y llegó a grabar su primer disco con el conjunto Santa Anita Sextet para la RCA Víctor, donde tocaba el bongó.
No se olvidaba de su origen como bombisto y seguía tocando folklore con su cuñado Hugo Díaz, pero era requerido por orquestas de música tropical que circulaban por las boîtes más conocidas del centro. En eso andaba cuando se encontró con el pianista Ariel Ramírez y el charanguista Jaime Torres para grabar el disco "Folklore nueva dimensión" (1961), que revolucionó el género en cuanto a los arreglos y la interpretación de los instrumentos en la música de raíz.
Poco después llegaría su inserción en el proyecto de "Misa Criolla" (1964), que lo lanzaría definitivamente como uno de los principales percusionistas del género; y el trabajo junto a Mercedes Sosa en "Cantata Sudamericana", otra pieza clave de Ramírez en la música nativa y en la vida de Cura.
Su utilización de diferentes elementos de la percusión como tumbadoras, timbales y bongós sumados al bombo legüero le dio otro sonido a su música. La popularidad alcanzada con las giras europeas, lo transformaron en un músico de prestigio en el ámbito nacional e internacional.
Pero Domingo Cura no se conformó con su actividad folklórica. Llevado por ese espíritu intuitivo siguió explorando en otros géneros y coqueteando con músicos de vanguardia como Eduardo Lagos, Kelo Palacios, Astor Piazzolla, Milton Nascimento y el Gato Barbieri, con el que llegó a tocar en el Central Park de Nueva York durante el prestigioso festival Newport, con un set de ocho bombos que dejó con la boca abierta a jazzeros como Gerry Mulligan.
Ya mimetizado con las costumbres porteñas, Domingo Cura alternaba su movida agenda musical con una variada rutina de entretenimiento. Le encantaba la noche con todos sus atractivos: la charla de café, el hipódromo, los sábados de boxeo en el Luna Park y las jam sessions, donde tocaba con músicos de diferentes estilos.

Y murió en su ley
Domingo Cura falleció, durante una actuación en el recital de Chico Novarro. El percusionista santiagueño, de 75 años, que estaba invitado al concierto en el teatro Lola Membrives, sufrió un paro cardíaco cuando estaba a punto de tocar el bongó. Había pasado media hora del comienzo del espectáculo. Con el telón cerrado y mientras se le realizaban trabajos de reanimación, los productores anunciaron la suspensión del show.

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